Por Antonio Botero Palacio

Poesía y no verso

Abrir las puertas de la noche no es fácil. Alumbran su misterio y su insondable soledad luceros tránsfugas que desnudan la intimidad de los soñadores. Se prenden a su inasible transparencia, atadas con lianas inconsútiles, escaleras de sueños, donde la luna cómplice pinta la palidez de los muertos que viajan por los caminos de lo incierto o arrojan al infinito las gélidas cenizas que van a finiquitar “en la boca del olvido”.

Abrir las puertas de la noche es llenar el horizonte de espejos multiformes.

David Marín Hincapié, que es apenas un niño travieso de la poesía, invoca una temática que adjetivan el frío y la nostalgia y alimentan “los delicados pájaros del delirio”. El sueño acurrucado en “el vientre de la noche”; “la lengua de la noche mostrando la puerta del olvido”; el mar, que “es el grito que arroja la desnudez del agua” y, la noche donde “los pezones surgen como una elongación divina de lo oscuro”.

Así discurre iluminada de magia la poesía de este joven poeta que: “Puestas las manos sobre la piel de las palabras”; en su viaje nocturnal “se hunde en la noche que es de pelusa tibia”, para regresar con un cansancio prematuro, “Quizá después de haber recorrido mis silencios, mis desfiladeros, mis indescifrables caídas, mi noche ebria”.

No entiendo hasta donde el alma del escritor que apenas inicia la jubilosa carrera trasteando infinitos y saboreando las primicias de la metáfora, –no entiendo– esa desatada propensión a gravitar en los peligrosos mundos de un saudade, más natural para viejos y son incomprensibles sus palabras: “Cuando el ave traza el canto puedes escuchar la sinfonía de no creer en la esperanza”.

Su altiva juventud es la borrosa imagen de un potro salvaje que se detiene al precipicio que le ofrecen las reconditeces de lo abstracto, y, es precisamente en ese momento cuando le asaltan: “El gesto inocente de la mariposa que muere”, “el temblor del niño”, “una mano que se aferra a la otra”, para exclamar en su demencia: “He llegado a la muerte, lo sé”.

Como figuras fantasmales, trascienden en su obra los signos de la oscuridad, y lo grita desvergonzadamente desde la cúpula de sus veinte años: “Soy un fantasma de la palabra, me digo. Debo decir adiós a las visiones de la vida, del nombre, del poema, definitivamente”.

David Marín Hincapié - Abro la noche

Este poeta, símbolo de una juventud, lanza en ristre, está plantado en el escenario de sus sueños enfermos y es, sin duda, el actor principal de una tragicomedia escrita con pinceladas de sangre, pero, que, en su grito dolorido, definitivamente tiene el encanto de una voz en tono mayor donde desembocan apretujados todos los gritos de un porvenir maravilloso.

Este retazo de juventud con todas las banderas, de la locura, de la esperanza, de la fantasía y de los sueños echadas al viento llegará, indudablemente muy lejos si encuentra los caminos del amor y de la constancia. Creo en su palabra: “No son los libros lo único dispuesto para leer. Se pueden leer las estrellas, las nubes, las manchas de las lagartijas… y saber lo que dice el agua inmóvil, es entender que lo bello en el mundo se reduce al silencio”.

antonioboteropalacio@hotmail.com

Notas: Abro la noche, de David Marín Hincapié, Edit. Fundación Arte & Ciencia, 2011. Beca de Poesía Joven Alcaldía de Medellín.

Tomado de El Pequeño Periódico No. 95, Dic. 2010

Por Ángel Galeano H.

 Antes de abrir la cajita oyó los chillidos. Quería un conejo, pero resultó un gatito con pintas blancas y negras, regalo de sus padres al cumplir 5 años. Esta escena se abre paso en los recuerdos de Isabel Crooke Ellison, cuando su país se reconstruía luego de que la aviación nazi lo sometiera a un largo, sistemático y criminal bombardeo. Pero los ingleses no se rindieron nunca y con su heroica resistencia y posterior reconstrucción, escribieron una de las páginas más bellas de la Historia de un pueblo en defensa de su libertad.

Barichara, Santander (Foto de angel galeano h)

La conocimos en uno de los pueblos más hermosos de Colombia: Barichara, a donde llegó hace poco más de tres décadas, graduada en Historia y Arqueología de la Universidad de Southampton, Inglaterra. Recuerda que en su infancia siempre estaban viajando. Sus padres estudiaron drama (teatro) pero después de la guerra fue difícil conseguir trabajo. En los ratos que la lucha por sobrevivir les dejaba, su padre aprendió a esculpir la piedra y su madre daba clases de pintura. Cuando Isabel tenía 4 años fueron a vivir a una casa grande en las afueras de Londres, con un jardín de rosas, hortensias y árboles. “Ahí empiezan mis recuerdos más claros”. Representaban cuentos de doncellas salvadas por los caballeros del Rey Arturo, luchas entre indios y vaqueros, encantos entre brujos y hadas, se convertían en los seres de los cuentos de Grimm y de Julio Verne. Esas historias nos las contaban nuestros padres antes de acostarnos.

Fue en aquella casa donde le regalaron el gatito, al que llamó Bunny (diminutivo de conejo en inglés), que “llegó a ser el centro de la familia, nos acompañaba a la escuela y a la playa. Murió de viejo, ya estando yo en Colombia”.

Universo en el patio

Edición No. 95

Su padre tenía el taller en un rincón del jardín. Por la amplia ventana Isabel y sus hermanos, en compañía de sus animales de felpa, lo veían trabajar. Simulaban peleas entre los juguetes para conseguir mejor sitio y “mi papá, en vez de regañarnos y exigir que le dejáramos trabajar, ofreció dulces a “los animalitos”. Desde entonces alineábamos nuestros juguetes y golpeábamos: Somos los niños del asilo de los pobres de Oliver Twist (obra de Dickens), por favor regálenos dulces”. Cansado de los juegos les propuso un trato pero si prometían no molestarlo: les contaría qué hacían esos animalitos por la noche mientras ellos dormían. Salen de casa, dijo. ¿Cómo lo sabes papá? Cuando bajo a la cocina les he visto escabulléndose por la puerta principal. ¿Y para dónde van? Eso se lo cuento si no vuelven a interrumpirme en el trabajo… Y volvió la paz a su taller porque no querían perderse sus historias. De allí surgió la afición de los tres hermanos por escribir cuentos.

A los siete años sirvió de modelo para que los amigos de Keith, su padre, la pintaran. A los diez la familia se fue a vivir a un antiguo pueblo de pescadores junto al mar. Su madre fue nombrada profesora de arte y aprovechaba cualquier momento libre para pintar en la casa, preparaba obras para las exposiciones de verano. La casa siempre olía a trementina. “Teníamos que escapar de mi mamá, pues donde quiera que estuviéramos nos decía: ¡No se muevan!”, para pintarnos.

Colombia, destino inesperado

Gato noveux papel mache - Isabel Crooke Ellison

“A mi padre le fascinaba el arte y la cultura de las tribus de América del Norte. Mientras hojeaba libros sobre esa cultura nació en mí una atracción por la arqueología y la antropología”. Terminando la carrera, su interés desvió hacia suramérica. Empezó a mirar las posibilidades de trabajar en América del Sur: México, costoso y muy nacionalista; Venezuela, no ofrecía contacto con comunidades indígenas; Perú ofrecía potencialidades. Se presentó una opción con la Universidad de los Andes en Bogotá: trabajar como ayudante de un arqueólogo norteamericano en el Vaupés, Colombia.

Llegó a Barichara por referencias. “Es un pueblo pujante y bello por su arquitectura y sus paisajes. El clima es delicioso. Todavía es un pueblo sano”. Una de sus maravillas naturales es el mirador desde donde se puede disfrutar la vista del río Suárez entre las montañas. “Por estas razones ha atrapado la imaginación de muchos pintores, escritores, músicos y escultores”, dice Isabel. Fundada en 1705 por Francisco Pradilla y Ayerbe, Barichara se encuentra a media hora de San Gil y a tres de Bucaramanga. Monumento nacional en 1978, la leyenda habla un árbol florecido en la plaza y por ello se llamó Vara florida. Cuando el árbol se cayó, fue Vara-echada, de donde salió Barichara, que en dialecto guane (derivado del chibcha) significa “lugar para el descanso”. Un legendario camino empedrado conecta a Barichara con Guane (descubierta por Martín Galeano en 1540), cuna inmemorial del Imperio Guane.

El único presidente santandereano que ha tenido Colombia es Aquileo Parra, oriundo de Barichara, líder del liberalismo radical, de quien sus pobladores se muestran orgullosos: la casa donde nació es Casa Museo y la principal biblioteca lleva su nombre.

Remedios la bella subiendo al cielo- Isabel Crooke E

Isabel Crooke Ellison es una de las artistas que llegaron allí para vivir, es decir, para prestar sus servicios como médica, antropóloga, historiadora, y desarrollar su talento como pintora, ceramista y escritora. ¿Cómo pueden darse tantas expresiones en una persona? Sin duda a su talento y a su mente abierta, su imaginación desmesurada, su vocación de servicio, su corazón generoso y la búsqueda constante de la belleza que brilla en sus ojos azules de felino.

Sueños con jaguares

Y hablando de felinos, su afinidad con ellos se reavivó en los años de convivencia con los Murui- Muinane (indígenas Huitotos del bajo Putumayo), con quienes aprendió algunos secretos de sus tradiciones cuando, recién llegada a Colombia, se integró con el Instituto Colombiano de Antropología. De sus experiencias con las comunidades indígenas, vio la necesidad de estudiar medicina para poder servirles mejor, estudios que adelantó en la Escuela Juan N. Corpas. Y después, cuando como médica visitaba las comunidades indígenas en las brigadas de salud, se presentó otra ventaja de ser no sólo mujer sino también médica. Como mujer, no representaba ninguna amenaza, como médica podría establecer una relación con el sacerdote – médico tradicional, fuera payé, mamo, chaman o  jaibaná, de igualdad. Y aún mejor, “establecida mi posición para con el sacerdote-médico de la comunidad, las mujeres, más detallistas y dispuestas a charlar y comentar la cotidianidad, estaban felices contándome cosas que como antropóloga me hubiera costado muchos meses averiguar”.

Aquellas experiencias vitales fueron asimiladas por su gran sensibilidad. La marcaron. Recogió con amor y respeto los mitos, cuentos y leyendas que los indígenas conservaban celosamente y los escribió en su libro Sueños con jaguares, que ella misma ilustró bellamente. En cuanto a sus encuentros con jaguares, “me vi cara a cara con una pantera negra que había bajado a tomar el agua de un pozo. Sin darme cuenta llegué a la orilla, el susto fue grande pero por fortuna estaba al otro lado del laguito”. Se vigilaron mutuamente por un momento. “Su mirada fue triste, y poco después, con un rugir casi de dolor, se volteó y se perdió entre el rastrojo”. Fue tal la impresión que luego escribió este poema:

El jaguar

El viejo jaguar se asomó

entre la fronda jaspeada

y en la laguna apacible

empezó a saciar su sed.

Del  otro lado de las aguas

yo temerosa, lo miraba:

él, con ancestral percepción

me observó con magnífico desdén.

Su rugir majestuoso

hizo cimbrar el eco del ayer perdido.

Y el Dios Jaguar,  el Sol Jitoma

y el alma del iya+gma *

se esfumaron para siempre

en el follaje.

(*) hombre sabio o capitán entre los Murui

Las vidas del jaguar

Sueño con jaguares - libro de Isabel Crooke E.

“Mis otros encuentros con jaguares vivos fueron con sus sombras, el rugir en la lejanía, una huella, o los mismos chamanes que, según ellos, tenían la capacidad de convertirse en esos felinos”. Un día, cuando vivía con los murui-muinane, llegó la noticia de que el chamán de un pueblo cercano, por ese tiempo enemistado con el nuestro, estaba enfermo y cojeando. “¡Lo supe!, gritó el capitán, yo vi un jaguar andando furtivamente no lejos de aquí y le disparé. Quedó herido. Eso le enseñará a ese brujo a no molestarnos”, dijo.

El gato es un ser con quien Isabel Crooke se siente de tú a tú. Como alma gemela. Quizás por eso los indígenas vieron en ella la enigmática y poderosa imagen del jaguar, animal sagrado. “Su pelo y sus ojos son de gata”, le dijeron los indígenas. Y tienen razón, también nosotros al verla hemos percibido una gata en sus ademanes, y en sus ojos azules el brillo enigmático y vivaz de los felinos.

Al dibujarlos a ellos, Isabel se dibuja a sí misma y eterniza el recuerdo de aquel gatito que chillaba en la caja, cuando era niña. Ese maullido le sigue alentando a través del pincel y del color azul, que es su predilecto, y que muchos han podido disfrutar en sus exposiciones.

Integración Ciencia y Arte

Hay una mezcla de tus quehaceres de ciencia y arte (antropología, medicina, pintura, cerámica) ¿Consideras que puede llegarse a un punto en que ambas, ciencia y arte, sean lo mismo?

Lo dudo. Pero, sin duda, ambas son estrechamente relacionadas, en la misma forma que el cerebro es un órgano completo pero a la vez, posee dos hemisferios, el izquierdo que maneja el arte y el derecho que maneja la ciencia. A veces funcionan aparte, a veces unidos. El hombre y la mujer se unen y nace un hijo. Es como una unión breve entre la ciencia y el arte. Pero el concepto que nace, toma su propio rumbo, tal como el niño que crece y se aparta de sus padres.

Serie de gatos1 Tinta china y Acuarela 20x20 Isabel Crooke

El arte involucra las diferentes ramas de las actividades creativas: la música, las artes plásticas, la literatura… Sin embargo, la música, la perspectiva y la ley de la sección dorada en la pintura, nacieron de la matemática (del griego, aprender). El uso del barro y su reacción al calor, la preparación de los engobes, los esmaltes, conocimientos fundamentales para la cerámica, surgieron de la química (alquimia). A partir de la física, el estudio de las cosas naturales y la interrelación de la materia y la energía, nació la fotografía. Y el médico, dedicado a la ciencia o práctica de tratar o prevenir enfermedades, debe ser capaz de examinar a su paciente, no solamente como un ser enfermo, sino como una persona, miembro de una cultura específica. Y es precisamente por esta incapacidad o desconocimiento del fondo cultural de sus pacientes, que los médicos, egresados de las universidades citadinas entran en conflicto con los enfermos del campo o de las comunidades indígenas, o hasta en Inglaterra, con la población inmigrante de Asia y África.

En el transcurrir de la historia, se dice que la mujer ha estado en desventaja con el hombre. ¿Cómo te ha ido en este aspecto? ¿Puede haber una ciencia y arte femeninas?

Concierto para gato - Cerámica esmaltada Isabel Crooke

Desafortunadamente, la misma tradición cristiana, donde el sentimiento de culpa está en el origen de la condición femenina, siempre ha implicado que la mujer se encuentra en  un estado de desventaja con el hombre.

Sin embargo, desde el momento en que las sociedades matriarcales de muchos de los cazadores y recolectores, fueron suplementadas por las sociedades patriarcales de agricultores y guerreros, apareció  el miedo al poder femenino y la necesidad de inventar restricciones para con la mujer.

Y en nuestro medio machista, es siempre muy difícil dar órdenes a los hombres, en todas las esferas de la vida. La mujer hábil aprende a manipular la situación para que el varón haga lo que ella quiera,  convencido que fue de su propio ingenio. Desafortunadamente, en nuestro medio las mujeres siguen siendo muy “machistas”,  aceptando su papel inferior dentro de la sociedad. No soy feminista. Hombres y mujeres somos biológico-químico y mentalmente diferentes. En la misma forma en que el arte y la ciencia necesitan  la una de la otra para avanzar, así debe ser la relación entre los hombres y las mujeres, como encontramos entre tantas sociedades indígenas antes de ser contaminadas por el mundo blanco. Sí existiera el respeto entre los sexos, seguramente la sociedad occidental progresaría mejor.

Dama con gato - Isabel Crooke

Y precisamente, fue durante mis estadías con comunidades indígenas, cuando experimenté ciertas ventajas de ser mujer. Un ejemplo, divertido por sí, fue cuando mi esposo Horacio Calle Restrepo y yo estábamos trabajando con los murui-muinane. El,  en contra de las advertencias del capitán, un día salió a cacería solo y se perdió.  Vivimos en una comunidad patriarcal y patri local formado por los miembros del clan Faiyajene. A pesar de quererlo mucho, él no pertenecía a su sangre. Yo tampoco, como todas las mujeres casadas con los miembros varones del grupo. Todas fueron de clanes diferentes y yo hice frente común con las forasteras. Horacio se perdió durante 3 días. La vieja esposa del capitán, la eminencia gris detrás del trono, cuando las búsquedas parecían resultar infructuosas, me dijo muy cariñosamente que no me preocupara, podría casarme con unos de los jóvenes del grupo y quedarme dentro de la comunidad. Afortunadamente,  mi esposo apareció poco después.

 Y después, cuando como médica visitaba las comunidades indígenas en las brigadas de salud, se presentó otra ventaja de ser no solamente mujer sin también medico. Como mujer, no representaba ninguna amenaza. Como medica podría establecer una relación con el sacerdote – médico tradicional, fuera payé, mamo, chaman o  jaibanà, de igualdad. Y aún mejor, establecida mi posición para con el sacerdote- médico de la comunidad,  las mujeres, siempre más detallistas y dispuestas a charlar y comentar las cosas de la cotidianidad estaban felices contándome cosas que como antropólogo simple me hubiera costado meses para averiguar.

Las ventajas y desventajas de vivir en Barichara.

Niños en vacaciones recreativas, Barichara (Foto de Angel Galeano H.)

Aunque los Baricharas vendieron felizmente sus casas y sus terrenos a los “visitantes” poco a poco fue más y más aparente las diferencias entre los pueblerinos y los “platudos” de afuera.

A pesar del hecho que los mismos inmigrantes trajeron beneficios al pueblo a través de la construcción, las empresas, la hotelería y  los restaurantes y  el nivel de vida de  los Baricharas mejoró considerablemente, casi inconscientemente surgió un resentimiento contra los de afuera. Hace falta urgentemente, un dialogo intercultural  para buscar un reconocimiento  en cuanto a las diferencias y sus necesidades, entre los dos grupos.  Hasta es palpitante un intento de parte del mismo gobierno municipal a buscar la forma de desterrar a los “Patiafueras”. Ignora las normas en cuanto el control del ruido, las defensa del medio ambiente, la construcción. Y si un patiafuera se queja, la respuesta es frecuentemente: “Si no le gusta, váyase… quien le invitó en el primer lugar.”

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Isabel Crooke Ellison

EXPOSICIONES COLECTIVAS
II SALON BAT DE ARTE popular
Biblioteca Luis Ángel Arango
Bogotá 2007
CIEN AÑOS DE SOLEDAD
Arte y Mujeres en Barichara
Casa de la Cultura
Barichara-Santander 2005

TEJIDOS
Arte y Mujeres en Barichara
BIBLIOTECA TURBAY
Bucaramanga 2005

X ANIVERSARIO GRUPO DIEZ
Galería La Otra Banda
Universidad de los Andes
Mérida, Venezuela 2005

CIUDAD COLECTIVA
Holos: Exposición artística
Instituto Municipal de Cultura
Bucaramanga, Colombia 2004

TEJIDOS
Arte y Mujeres en Barichara
Casa de la Cultura
Barichara, Colombia 2004

EL AGUA
Arte y Mujeres en Barichara
Casa de la Cultura
Barichara, Colombia 2003

LA TIERRA
Casa de la Cultura
Barichara, Colombia 2002
V CONCURSO NACIONAL DE PINTURA
Banco Ganadero
Bogotá, Colombia 1997

PRIMER SALÓN DE DIBUJO DEL ORIENTE COLOMBIANO
Museo de Bellas Artes
Bucaramanga, Colombia 1994

OCHO ARTISTAS GUANENTINOS
Casa Fiscal de Santander
Bogotá, Colombia 1991

NATURALEZA EN TRES DIMENSIONES
Casa de la Cultura Custodio García Rovira
Bucaramanga, Colombia 1991

OCHO ARTISTAS GUANENTINOS
Salón FUSADER
Bucaramanga, Colombia 1990
EXPOSICIONES INDIVIDUALES

MITOS COLOMBIANOS
Representante Concejo Británico al
XXVII Festival Internacional de la Cultura.
ICBA – Tunja, Colombia 1999

MYTHS AND LEGENDS
Galería “World Culture”
Sussex, Inglaterra 1998

EL AMANECER DEL HOMBRE
Casa de la Cultura Custodio Rovira García
Bucaramanga, Colombia 1995
SONIDOS DEL MOVIMIENTO
Biblioteca Municipal Gabriel Turbay
Bucaramanga, Colombia 1989

RECONOCIMIENTOS

Primer Puesto
PRIMER SALÓN DE DIBUJO DEL ORIENTE COLOMBIANO
Museo de Bellas Artes
Bucaramanga, Colombia 1994

Por Ángel Galeano H.

Leer es más que comprender. Implica transgredir lo leído, diseccionarlo, superarlo. Es, por lo mismo, un acto de intimidad suprema. Silencioso, corrosivo y subversivo. No hay texto sagrado para el verdadero lector. Leer es investigar más allá de los límites, desbordar los parámetros, escandalizarse en la soledad sublime de los hallazgos. Sin espectáculos en voz alta para muchedumbres y sin grandes vitrinas. Es lo más apartado del snobismo y el mercadeo: un asunto del conocimiento existencial.

Roberto Giraldo Molina, un nuevo libro para cerrar un ciclo

Con una atmósfera de esta naturaleza, el lector inteligente a contrapelo de la manada, puede construir un nuevo mundo. No está amorfinado por el facilismo, ni por la dispersión del mundo de la imagen y la superficialidad. El doble filo de la cibernautica no ha cercenado en él la región de la locura creativa. El mundo de la producción megaindustrial de antiquijotes y analfabetos ricos en tecnologías, no lo han contaminado. Por eso puede ver lo que los demás no ven detrás del bosque encantado de la publicidad absorbente.

Esa clase de lectores logran titilar con luz propia en esta oscura mezcolanza de la globalización. Y pueden, como lo ha hecho el doctor Roberto Giraldo Molina, mostrar otras facetas del pensamiento que, a primera vista, parecen intolerables y generan rechazo por un prurito de erróneo “instinto de conservación”. “Instinto” inercial que predispone contra lo nuevo, lo revolucionario, lo que desacomoda los espíritus y las mentes incitándolos hacia nuevas aventuras del pensamiento. No importa que a la postre se presenten equivocaciones. ¿Acaso no es en los errores, en las equivocaciones donde se cuece el conocimiento? Aprender es esculcar sin prejuicios los errores. Y eso es lo que, a nuestro juicio, ha hecho este médico antioqueño, hoy residente en Brasil, quien desde hace 30 años se dio a la gigantesca tarea de demoler la teoría oficial del sida y muchas otras “enfermedades modernas incurables”.

Correr el riesgo

Lo recordamos en plena ejecución de su vigilia a orillas del río Magdalena, en el puerto de Magangué, a donde se fue al comienzo de la década de los 80 en busca de un sueño soñado, junto a un puñado de desquiciados como él que quisieron construir un paraíso en la tierra.

"Pero como ocurre con cualquier otro conocimiento, para entender este libro y ponerlo en práctica, se requiere un deseo profundo de querer acercarse a la verdad, respeto por quien escribe y sobretodo mucha humildad para reconocer los propios errores y así conseguir cambiar una idea o un paradigma". Roberto Giraldo Molina

Y cuando se puso de pie para plantar los puntos sobre las íes, abrumó con la sencillez de sus postulados a propios y extraños. Pero no se abre una nueva puerta impunemente, siempre se corren riesgos. El atrevimiento le valió el repudio de algunos miembros de la flor y nata de la Facultad de Medicina de la Universidad de Antioquia, de donde es egresado y donde fue Jefe del Departamento de Microbiología. Enceguecidos muchos de ellos por las teorías dominantes, se burlaron de él y levantaron múltiples obstáculos para que no pudiera difundir sus pesquisas. Era la década de los 90, él ya había regresado de aquellas tierras ardientes pero hospitalarias del Caribe, y detrás del sida se ocultaba una enfermedad más tenebrosa: la del “fanatismo ilustrado”.

Al doctor Roberto Giraldo le cabe en fortuna, el haberse atrevido a desempolvar los “viejos” postulados básicos de la razón y el sentido común en la medicina, a contrapelo de la apreciación utilitarista que hoy predomina en el mundo del mercadeo. En sus conferencias y publicaciones, así como en su página de internet, inicia con un pensamiento de Hipócrates, apelando a la razón, más que a la pasión:

“En Medicina uno no debe prestar atención solamente a la teorización plausible sino a la experiencia junto con la razón. Estoy de acuerdo en que la teorización debe ser probada, siempre y cuando esté basada en hechos y que sistemáticamente haga sus deducciones de lo observado… Pero conclusiones obtenidas sin el concurso de la razón no podrán ser de utilidad; sólo lo podrán ser aquellas obtenidas de los hechos observados”.

Verdades que asustan

“El sida sí existe pero no es una enfermedad infectocontagiosa, ni se transmite sexualmente”. Detrás de esta aseveración tan contundente, hay tal cantidad de información acumulada por el doctor Giraldo, digerida, procesada, que se comprende su desvelo por compartirla. La primera vez que la dijo en un auditorio de la Universidad de Antioquia, donde no cabía un estudiante más, un profesor más, fue un escándalo que espantó a unos y arrancó ovaciones a otros.

Y osciló el péndulo que obnubila la razón: la pasión con que se asume esta afirmación del doctor Giraldo. Ni una ni otra le sirven a la ciencia (tampoco al Arte). Ni el aplauso, que no deja pensar, ni el rechazo que niega la comunicación. En alguna ocasión fue invitado a la Universidad de Granada, España, a exponer sus tesis. En el salón de exposiciones científicas había un sólo aviso: “En este lugar se prohíbe aplaudir”. Estaba pues, en su elemento. Iba a ser escuchado con la razón, no con el mero sentimiento ni el impulso. La fría razón, con que se deben rumiar las ideas, sin importar su procedencia.

Un libro para cerrar un ciclo

En diciembre el doctor Giraldo estará de visita en Medellín, donde hará un conversatorio para presentar su nuevo libro titulado: Sida y estrés oxidativo, bases científicas para una interpretación de la seropositividad y del sida como aumento de estrés de oxidación.

Será una excelente oportunidad para escucharlo y meditar sobre sus planteamientos. Para hacer el ejercicio que implica un verdadero conversatorio, escucharlo e interactuar con él. Con frecuencia se olvida que los autores también se alimentan de las dudas y contradicciones de quien los oye.

P. ¿Qué ha motivado este nuevo libro?

R. Lo escribí como respuesta a un pequeño grupo de aparentes disidentes y activistas del sida de Argentina, España y Perú, que en marzo de este año hicieron un escándalo internacional vía internet, intentando desacreditar mis investigaciones y puntos de vista sobre el sida. Esta polémica puede verse en mi página de internet  (www.robertogiraldo.com).

Con este libro, que tiene más de 900 referencias científicas, espero cerrar este capítulo sobre el sida. Claro que continuaré ayudando a los seropositivos y a los pacientes con sida de todo el mundo, pero por ahora estoy escribiendo sobre los aspectos psicosomáticos del cáncer, de las enfermedades autoinmunes y de otras muchas de las llamadas enfermedades mortales.

P. ¿Por qué dice que son aparentes disidentes?

R. Se trató de un grupo de unas diez personas muy vociferantes, para las cuales el sida no existe, y ser seropositivo en las llamadas pruebas para VIH no tiene ningún significado. Esto es grave, pues las personas seropositivas que siguen esos planteamientos no toman las precauciones necesarias y posibles para prevenir y tratar el sida. Desde hace dos décadas vengo sosteniendo que el sida sí existe y que ser seropositivo es un indicativo indirecto de desgaste del sistema inmunológico, principalmente por exceso de estrés de oxidación.

P. Cuál es su opinión sobre el reciente informe que ha presentado la Organización Mundial de la Salud (OMS), en el cual se ha afirma que la enfermedad está bajo control y que tiende a bajar.

R. No trae nada nuevo, ni mucho menos que sea de beneficio para los seropositivos o para las personas con las manifestaciones clínicas del sida. Al contrario, en él predomina la falta de esperanza. Por ejemplo, cuando afirman que no existe una vacuna, millones de pacientes siguen sin tratamiento y las donaciones han decrecido a causa de la crisis económica.

P. ¿Podría pensarse que el sida ya no está en las prioridades de la OMS?

R. Así es. Parece que ya el sida no es de mucho interés para la Organización Mundial de la Salud (OMS), ni para la ONUSIDA, ni para el Ministerio de la Salud de los Estados Unidos, y lógicamente ni para las compañías farmacéuticas que ya saturaron el mercado posible con sus toxícimos medicamentos anti-retrovirales, para destruir un virus (VIH) cuya existencia jamás ha sido demostrada científicamente. Así en 2008 le hayan dado el Premio Nobel a Luc Montagnier y a Francoise Barre-Sinoussi del Instituto Pasteur por descubrir “un virus fantasma”. Un Premio más de tantos otros que otorgan a la falta de ética y a los científicos corruptos contemporáneos.

Tomado de EL PEQUEÑO PERIODICO No. 95 (edición impresa en circulación)

Vuelta al puerto de la memoria

“Aquella cabeza que creaba, que vivía de la vida superior del arte, que reconocía y se había habituado a las exigencias sublimes del espíritu, esa cabeza fue arrancada de mis hombros. Quedaron la memoria y las imágenes que yo he creado pero que aún no he materializado… Sin embargo se ha conservado el corazón y la misma carne y la misma sangre que puede amar y sufrir y desear y recordar como antes”.

Dostoieski acababa de vivir su muerte y al mismo tiempo su renacimiento. Condenado a la pena capital por haber leído en público una carta crítica sobre las injusticias del zarismo, tras la farsa de la ejecución, llegó el indulto del zar. Doble tortura. Entonces vertió en una carta a su hermano Mijail la experiencia de la muerte. Hoy, 160 años después, al volver a leerla nos asombra que el novelista ruso hable de la memoria en el corazón, en la carne y en la misma sangre. Esta forma de conocimiento fue justamente lo que le permitió superar aquella experiencia límite y convertirse en uno de los escritores más profundos.

Portada Edición No.95 - La memoria

En Colombia convivimos a diario, no porque lo queramos, con la muerte no natural. De esta ruda experiencia nacional larvada en algún rincón de nuestra cultura, tendrá que brotar algún día un conocimiento que nos salve de la derrota humana. Nuestro corazón, nuestra sangre tienen memoria y ella nos ayudará a sobrevivir; cuando la memoria entre en nuestra conciencia, cuando surja en los sueños, en la vigilia, al volver las hojas de un libro o al doblar una esquina, en palabras de Borges. Y nos alerta para que no caigamos en la trampa de inventar recuerdos presionados por la impaciencia. Lo que no significa esperar pasivos. Al contrario, la espera debe ser una voluntad dinámica, vigorosa, pujante. Como lo están haciendo los estudiantes, que como un barco dormido ha despertado picando al mar de la modorra domesticada, y han vuelto a beber del legendario ejemplo del movimiento estudiantil de los años 70, superándolo en muchos aspectos. La entusiasta juventud se ha puesto de pie y ha obligado al gobierno a revisar sus proyectos. Nos han dado una bellísima lección de valor, conocimientos e inteligencia. De cómo se deben ejercer los derechos y deberes ciudadanos. El barco ha vuelto al puerto de la rebeldía democrática, civilizada, limpiando el camino del ripio oportunista parapetado detrás de las capuchas. Un país como Colombia se merece ya una juventud así.

¿Para qué le sirve la memoria histórica al país?, le preguntaron hace poco a Gonzalo Sánchez, Director del Grupo de Memoria Histórica. Su respuesta permite arar en la espera de la que hablamos: “Colombia es un país de millones de víctimas. La memoria es una forma de reconocerlas… es, si se quiere, también una forma de justicia, si bien no sustituye a los procesos judiciales. Pero, por sobre todo, la memoria es una plataforma desde la cual se formulan reclamos de diverso orden. La memoria es hoy en Colombia una forma de inclusión y de participación”. (El Espectador, Nov. 2011)

Sí, inclusiva y activa, un tesoro que debemos cuidar como a la vida misma. Como al planeta que también tiene memoria. Nadie es dueño de los recuerdos de otro. Sólo los déspotas y dictadores sueñan con ello, como dice Kundera: “Para liquidar a las naciones lo primero que se hace es quitarles la memoria. Se destruyen sus libros, su cultura, su historia. Y luego viene alguien y les inventa una historia. Entonces la nación comienza lentamente a olvidar lo que es y lo que ha sido. Y el mundo circundante olvida mucho antes…”.

Pero los colombianos no estamos dispuestos a desperdiciar los sueños de un merecido futuro construido sobre las tumbas de nuestros muertos, que siguen vivos por siempre, porque al recordar su ejemplo fluye su memoria en nuestra sangre, que puede amar y sufrir y desear y recordar, como en la experiencia del condenado a muerte. Sólo que en nuestro caso nos corresponde indultarnos a nosotros mismos.

El Pequeño Periódico No. 95, edición impresa ya está en circulación.

Ilustración “Detrás del espejo”, óleo de Isabel Crooke S.

“No quise ser famosa”

Por Ángel Galeano H.

El río

Silencio. Apenas el leve chasquido del ascensor. Abajo queda el sol taladrando el pavimento. Una reja custodia la puerta de madera, que se abre antes de que toquemos. La primera pista está a la entrada, como una advertencia de que allí sucedió algo. Algo verdaderamente “peligroso” y desconocido que nos apabullará, seremos “víctimas” de una inesperada revelación. Un secreto que no perderá su misterio. Nuestra cultura nos predispone a una sorpresa negativa, desagradable o denigrante. Quizás la auténtica revolución esté en lo contrario, justamente en poder encontrar al otro lado del muro, traspasando la puerta, el regocijo de lo desconocido y singular, una nueva y única armonía que nos impacte como un rayo. Que sacuda todo nuestro andamiaje y nos avergüence de las poquedades que nos inflan. Corremos un gran riesgo, necesitamos fuerzas, coraje para no huir porque, simultáneamente, algo empieza a llenarnos de un júbilo desconocido. Nuestra historia y experiencia quedan en ceros. Después sabremos que se nos infligía una contundente derrota de lo que somos, ante lo que ha sido creado por alguien con visos de divinidad. Un ser más que humano. Una artista.

¿Yolanda Posada?

Yolanda Posada

Al otro lado de la puerta ella nos saludó con una sonrisa jovial, limpia, cristalina. Y al dar un paso dentro sentimos que una avalancha de agua se nos echaba encima. Era un río fluyente, rápido y cristalino como la sonrisa de Yolanda Posada que nos daba la bienvenida. La vegetación en la otra orilla, verde y abigarrada, respiraba como la exuberante y poderosa selva de José Eustasio Rivera. Sin embargo, parados a este lado, nos sentíamos espectadores privilegiados desde un balcón de rocas milenarias lavadas por ese río torrentoso que ella había creado, no con pincel, sino a punta de espátula.
¿Yolanda Posada? ¿Quién es? ¿Cómo ha podido pintar con sus manos y sus ojos aquel cuadro? Hemos ido a visitarla con el único antecedente que nos dio su hija María Clara Villa, la artista que eterniza el barro y lo hace útil: Mi madre pinta, nos dijo hace varios meses cuando la entrevistábamos junto al horno de su taller. Cosa de familia, podría decirse. Hay familias que se distinguen por los negocios, el poder, los ámbitos heredados de generación en generación. Patrimonios materiales que les dan holgura. Pero este no es uno de esos casos. Éste contiene algo invisible, espiritual, inexplicable, como si una “onda cósmica” les hubiera bañado de talento. Tías pintoras, sobrinos arquitectos, hijos escultores y ceramistas… Y ella, Yolanda Posada, una maestra del óleo y la espátula, el color y la textura.
Con razón se dice que cada quien vive como vive. No es un mero decir, así es. Cada quien se rodea de lo que es su vida, sus vicisitudes y sus sueños. Sus desgracias o sus angustias. El apartamento de Yolanda Posada es otro mundo, una galería de arte en constante exposición. Un recinto que resuella magia. Las paredes están vestidas de flores, paisajes, barcos, pájaros, rostros, pimentones, caballos, frutas, tejados… “He pintado de todo”. Colores fuertes y sutiles, formas rectas y curvas constituyen lo que Yolanda Posada ha hecho con gran parte de su vida. Cuadros de todos los tamaños habitan en la sala y el corredor, en las escaleras y el dormitorio, en su estudio, y testimonian su paso por este planeta. Son su herencia y a la vez lo heredado.

Que la espátula corra libremente

Yolanda Posada ha podido nacer en cualquier lugar del mundo. Nadie escoge su cuna. Ella bien ha podido abrir sus ojos en un barco en altamar, o bajo la tierra en una mina de oro, o en una nave interplanetaria. Sus padres eran antioqueños. Aunque no le gusta hablar de su vida, sobre todo de su infancia, nos contó que vivió sus primeros años en Pasto, Nariño. Mientras tomamos un delicioso café, nos cuenta que tenía 4 años cuando se trasladaron a Medellín y que sus cuadernos de primaria eran ricos en ilustraciones. Estudió el bachillerato en el Colegio La Presentación donde también cultivó con dedicación el dibujo y la composición. “Siempre he sido muy disciplinada”. Hizo estudios como Delineante de Arquitectura en la Universidad Femenina, donde fue afortunada en recibir las clases de composición, acuarela, perspectiva. Se graduó en noviembre de 1956 y a los pocos días se casó con Alejandro Villa, de cuyo matrimonio nacieron 4 hijos. En el desempeñó de su profesión adquirió mayor destreza en los trazos topográficos y afinó la exactitud. Practicó una y mil veces la perspectiva, la composición, hacía bocetos, pero ya no podía desprenderse de la pintura.
En cierta oportunidad su esposo la acompañó a una sesión donde estudiaban la figura humana y hacían bocetos con desnudos. A él le intrigaba y quería ver cómo era que su esposa aprendía tales cosas, pero para su sorpresa la sesión fue rápida como el viento: “Los trabajos con modelos eran de tres minutos”. En su entrega ha llegado a pintar hasta 18 horas sin parar y tiene por principio terminar todos los cuadros, los pocos que no logra cuajar los arranca, los destruye. A veces sigue los bocetos, pero con frecuencia deja que la espátula corra libremente sin el boceto a bordo.

Flor - óleo de Yolando Posada

Su larga experiencia (hizo su primera exposición en 1962) la llevó a escoger la espátula y no el pincel, “Algo que para muchos resulta difícil porque con espátula no se puede repasar como con el pincel”. De acuarela muy poco, su predilección es el óleo: “Me gusta por su pastosidad”.

Primero mamá y esposa

Y no es que no haya mostrado su obra. Ha hecho más de 30 exposiciones individuales y colectivas: desde la del Instituto de Bellas Artes de Medellín, en 1962, hasta la del Museo del Castillo, en 2004. La lista es larga y encumbrada. La Galería de Arte Moderno de Bogotá, las salas de exposiciones de Granahorrar en Cali y Medellín, Turantioquia, Museo de Zea, Museo del Castillo, Club Campestre, Banco Comercial Antioqueño, Banco Grancolombiano y Banco Ganadero, Sociedad de Ingenieros de Antioquia. Invitada a la subasta y remate de apoyo al Centro de Convenciones de Quirama, y para beneficio de personas con limitaciones. Participó en el homenaje a Pedro Nel Gómez en el Taller de Arte de Libe de Zulategui.
Llaman nuestra atención la realizada en la Alcaldía de Medellín, en 1997: “Una familia en el Arte”; y la del Museo del Castillo, en 2004: “Oficio de una familia en el Arte”. Muestran esa virtud del grupo familiar, en las que expusieron los hijos, las tías, los hermanos, tanto en pintura como cerámica y escultura. La “onda cósmica” de la que hablamos al inicio.
Fue profesora de arte y pintura en el Gimnasio Los Pinares y dio clases en su estudio durante muchos años. Conoció a Alejandro Obregón, uno de los pintores colombianos que más admira. Lo mismo que a Enrique Grau. Admiración especial le merecen los bocetos de Francisco Antonio Cano y de Pedro Nel Gómez. La obra de Fernando Botero, pintura y escultura, son para ella de un valor inigualable. Al hablar de Los Impresionistas se le iluminan los ojos: “Los adoro a todos”.

Veleros

Yolanda Posada pudo haber sido una pintora de gran fama pero, “Primero era mamá y esposa”. Después de las exposiciones le proponían que pintara ciertos temas, que tal cuadro ha gustado mucho y podemos ganar dinero con ello y hacerla famosa, pero ella no es de las que pinta dos veces el mismo cuadro y mucho menos por encargo. “Pude haber sido famosa, pero prefiero pintar en silencio”.

Al despedirnos sentimos que un alimento nuevo nos irriga y que será imposible olvidar aquel río cantarino y bello, aquel mundo lleno de pintura que esta mujer asombrosa ha creado con sus manos y sus ojos y su talento. Hemos sido víctimas de algo maravilloso, vencidos y a la vez vivificados por el arte de la pintura. Uno no sabe que puede haber detrás de una puerta enrejada. Afuera el sol seguía incendiando el mundo.

elpeperiodico@gmail.com

Tomado de la edición impresa de EL PEQUEÑO PERIÓDICO No. 94

Por Saúl Álvarez Lara

Lo que excita la imaginación es impredecible, va desde el mínimo detalle sin aparente importancia, hasta la montaña imposible de ignorar. Por supuesto no siempre se reacciona con la misma intensidad o rapidez. Vi una película hace poco, un cortometraje francés, su título es “La cama cerca a la ventana”.

El paciente que ocupa la cama de la derecha reniega...

Uno podría pensar que al igual que en los hoteles, las habitaciones que miran al interior son más apetecidas que las que tienen ventana a la calle, por el ruido. En esta película la cama apetecida es precisamente la más cercana a la ventana. Toda la narración sucede en una habitación de hospital de tres camas. En cada una hay un hombre mayor, no sabemos por qué pero comparten espacio. La ventana se encuentra a la izquierda. El paciente que ocupa la cama de la derecha reniega todo el tiempo porque los otros dos no lo dejan dormir, hablan todo el tiempo, o mejor, el que habla es el de la cama izquierda que describe, mientras mira entre los listones de la persiana y con detalles precisos, lo que sucede en la calle. El paciente de la cama central se emociona y pide explicaciones, exige precisiones, cómo va vestida la mujer que arrastra el coche con el bebé, de qué color es el automóvil que espera frente al hospital, cuántas personas pasan solas, cuántas en grupos. Pregunta también si hay algún policía cerca. Mientras el paciente de la cama de la derecha se queja y el del centro se entusiasma, el de la izquierda describe la calle, los árboles, la gente. Una mañana mientras describía una dama que hacía intentos inútiles por cruzar, el paciente de la cama de la izquierda sufre un infarto y muere.
El paciente de la cama derecha pide el cambio al otro extremo de la habitación al lado de la ventana, pero las enfermeras no le prestan atención y siguiendo un orden previsto por los médicos, el de la cama del centro ocupa la que quedó libre y el de la derecha pasa al centro. Igual que el paciente anterior, el recién posesionado vigía de la izquierda describe lo que sucede en la calle con tanto detalle como su antecesor pero distinto, menciona los pájaros, los niños que juegan, el parque que se abre frente al hospital.
El paciente que ahora ocupa la cama del centro se queja porque no logra dormir.
El mismo día que un nuevo paciente, otro hombre mayor, ocupa la cama de la derecha el de la cama al lado de la ventana muere, la enfermera dice al paciente de la cama del centro, esperan su muerte de un momento a otro, que ese mismo día ocupará el lugar tan esperado al lado de la ventana, sin lugar a dudas el mejor de los tres.
Con el traslado a la cama de la izquierda, un nuevo paciente, otro anciano, entró para ocupar la derecha y el que estaba allí fue desplazado al centro. Los movimientos entre camas se hicieron al comienzo de la noche. El paciente que esperó la muerte de sus compañeros antes de ocupar la mejor cama de la habitación no durmió. La ansiedad por lo que iba a ver en la mañana lo tuvo despierto hasta bien entrado el amanecer. Despertó sobresaltado y con angustia porque no quería perder un minuto de luz para mirar lo que había al otro lado, levantó un listón de la persiana y lo dejó caer de nuevo, no lo podía creer. Esperó unos segundos y levantó de nuevo el listón, esta vez esperó hasta que el compañero de la cama del centro le pidió que contara lo que estaba pasando en la calle, entonces con los ojos clavados en el muro de ladrillo rojo que tenía al frente empezó a inventar la dama que pasa la calle, el semáforo cuando cambia de rojo a verde, el policía que gesticula para que los automóviles circulen. Pensó que no lo hacía tan bien como sus compañeros pero no se preocupó, aprendería.

saulalvarezlara@gmail.com

Tomado de El Pequeño Periódico No.94 (edición impresa)

El muchacho dibujaba al Gato Félix cuando recibió un balazo en la espalda. El hecho, muy publicitado, está por desentrañarse. Pero la noticia nos ha llevado a pensar, no sólo en el grado de vulnerabilidad que vivimos, sino lo que puede significar expresarse a través de los muros.
En Colombia hubo una época en que las ideas tenían que ser “pintadas” con brocha en las paredes, pues no era posible publicarlas en periódicos o revistas, y los oradores que se atrevían a compartirlas en las plazas públicas se jugaban la vida. Bueno, no es que ahora se pueda hacer con toda amplitud, existen muchos riesgos de diversa índole, pero las paredes han sido para los marginados de todas las épocas la última hoja en blanco que les queda.
Los muros están ahí. Unos levantados de manera infame, otros como defensa y otros más para sostener un techo.
Para saber quién conspiraba contra ella, Catalina de Médicis recurrió, en el siglo XVI, a la construcción de conductos especiales empotrados en las paredes de su palacio, de tal forma que podía oír lo que los demás hablaban. Utilizó las paredes para hacerse invisible y entrometerse. Una trampa: en apariencia las paredes separaban, pero realmente conectaban. Desde entonces se dice que “las paredes oyen”. Otros se dieron a la tarea de levantar muros para desconectarse, convencidos de que así se protegían y en esa “protección” llegaron no sólo a erigir fortificaciones, sino a quemar libros, tarea común de los poderosos, como dice Borges.

En Medellín abunda el arte callejero

La interpretación que se da a los muros es casi una ciencia: El muro de Adriano, La muralla china, La muralla de Jericó, el muro de Berlín, el de Los lamentos, el de Israel, el de la frontera entre Estados Unidos y México, las murallas de Cartagena…, contienen una ancha gama de significaciones y leyendas. Y los muros invisibles, los imaginados, los que levantamos a diario con recelos y prejuicios, aquellos que también pretenden protegernos, suelen envilecernos más que los materiales, nos llenan de embustes no tanto de los demás como de nosotros mismos. Quizás esta tendencia esté aumentando con la tecnología y el llamado “mundo virtual” que nos aíslan y empantanan en una red de supersticiones contemporáneas.

Taller de grafiti convocado por el Museo de Arte Moderno de Medellín

A mediados de este año, el Museo de Arte Moderno convocó a los jóvenes de Medellín para desarrollar un taller de cartografía de grafiti y recorridos por la ciudad para leer paredes. Esta interesante propuesta tuvo excelente acogida y los participantes aprendieron a elaborar plantillas para grafitear. La culminación de esta interesante experiencia tuvo lugar en un muro abandonado del barrio Moravia que, poco a poco, como por arte de magia, se fue poblando de imágenes de diversos colores. La noche fue cómplice de esa alegría pues no importó lo largo de la jornada. En ciertos colegios y universidades existen espacios para que los muchachos escriban, dibujen, expresen lo que quieran, aunque por supuesto, dentro de ciertos parámetros de la decencia. Aunque a nombre de la decencia se han aplastado gritos y poemas, canciones e inconformidades. Porque existe una creencia prejuiciosa entre los detentadores del poder a todo nivel, de que escribir en las paredes es ilegal. Dicen: nada bueno escriben quienes recurren a los muros y sobre todo si lo hacen a escondidas y de noche. Pero una ciudad que no tenga estos testimonios de los marginados es sospechosa. Esa limpieza bien puede ser fruto de una asepsia represiva, intolerante y demasiado organizada, tanto, que aparentemente no hay nada qué decir. Este podría ser un elemento a tener en cuenta para entender porqué en ciertos países “muy desarrollados”, el índice de suicidios y drogadicción entre los jóvenes es alto. La represión para estos asuntos jamás será buena consejera.
Juventud que se respete no pide permiso para escribir sus poemas. Los muros son piel de la ciudad. Sean verticales u horizontales. Podría semejarse a los tatuajes. Cada persona es libre de tatuarse su cuerpo, en esos tatuajes expresa sus tendencias y búsquedas que la embargan. Una ciudad también. Un enorme pájaro tatuado en un puente, que contraste con la silueta en el pavimento de una víctima de un carro o una motocicleta fantasma. O la figura del Gato Félix en un muro, ¿por qué no? O unos ojos que nos sonrían.

Tomado de El Pequeño Periódico No. 94, Editorial. Título en la edición impresa: La piel de la ciudad.

Al final de la inocencia

Leonardo Agudelo Velásquez

Una novela que recrea poéticamente la violencia política de los años 50

Una mirada crítica a la novela de Antonio Botero Palacio, obra que trata del incierto viaje de un hombre acosado por los odios políticos, que se ve obligado a buscar un pedacito de país donde pueda ejercer su profesión de maestro de escuela. El transfondo histórico es el motivo del presente ensayo.

En 1966 Gerardo Suárez Rendón publicó su libro. La novela sobre la violencia en Colombia; una selección de cuarenta relatos largos, editados de 1951 a 1965, que termina con una pregunta: “Donde está la novela que plantee a través de sus personajes las causas verdaderas y profundas de la violencia?” y a renglón seguido afirmó: “tengo el convencimiento de que la novela de la violencia exige algo más que personajes que roben, estupran, y asesinan, cobijado por la complicidad de las autoridades. (…) no tenemos derecho a esperar que esta obra se produzca mientras los encargados de llevarla a cabo sean jueces y partes del proceso. Habrá necesidad, entonces, de esperar a que se apacigüen los ánimos”.

Durante la presentación del libro en La Unión - Antioquia

La violencia en Colombia no cesa, pero ha dado origen en los últimos sesenta años a un sin número de obras –históricas, sociológicas, económicas, periodísticas, pictóricas, teatrales, cinematográficas–, que han construido una ventana, algo empañada, donde nos podemos enterar de lo que sucedió en nuestra historia desde la década de 1940. En este escenario la literatura pareció ofrecer una cierta ventaja sobre otras formas escritas, dado que sólo necesita lápiz, papel, memoria y un cierto gusto por la soledad y la reflexión interior. Sin esa actitud por la escritura literaria nuestra memoria sobre esta pavorosa época hubiera sufrido una pérdida irreparable, pérdida que hubiera permitido un triunfo total de quienes la iniciaron e hicieron de ella su fuente de “acumulación originaria de capital”. 

La tras-escena

El artista crea su obra con la forma del mundo que le rodea. Y ello ha permitió a la literatura y en general al arte y paradójicamente en último lugar a la historia, servir de urdimbre para que nuestro pasado no desapareciera como agua entre los dedos. El término “La Violencia” fue criticado por alguna corriente de intelectuales adscritos a ese oficio universitario y editorial bautizado como “La Violentología”, porque parecía revelar una intención de atribuirla no a causas humanas sino a algo abstracto y gaseoso, por utilizar el genitivo “La violencia”. Pese a que una brillante generación de universitarios graduados en ciencias humanas dedicó su utillaje mental al tema, no alcanzó a producir una síntesis nacional sobre la violencia, y su reflexión languideció en una serie de estudios regionales, donde no se intentó vislumbrar más allá de lo actores violentos y sus víctimas. Ello debido a que se trazó una línea de separación sutil y pavorosa, donde se habló de los actores directos pero no de la tras-escena donde pudiéramos vislumbrar las familias ilustres a donde fueron a parar inmensas extensiones de tierra. Por ello no podemos olvidar al historiador Darío Betancurt, fue él quien cruzó esa sutil línea con su libro Matones y Cuadrilleros, y fue asesinado.

Al final de la segunda guerra mundial el Tribunal de guerra internacional de guerra de Nüremberg, estableció de forma universal que la soberanía de una nación no era algo absoluto en caso que dentro de ella se llevara a cabo un genocidio. Algo que pareció asustar a los instigadores del choque bipartidista y luego de la usurpación pareciera que se dedicaron a tejer sobre ella toda una conspiración de silencio. De ahí el valor de la literatura de la violencia, porque ella pudo vestir los terribles hechos de este periodo con el ropaje de la ficción y pasar así el peaje de silencio que se dio en nuestra historia acerca de sus instigadores y beneficiados.

El silencio de la historia colombiana sobre el tema es más notorio que sus  aportes, pero no por voluntad de los historiadores, sino que como dice el dicho: “El palo no estaba para hacer cucharas”. Hasta que todas esas propiedades no hayan sido legalizadas y las reclamaciones silenciadas, no será posible hacer una síntesis histórica de ella. Quienes se enriquecieron en este período de nuestra historia todavía son muy poderosos y tiene suficiente influencia para seguir ahogando en silencio el clamor de las víctimas. Pero algo rompe el espiral de silencio que siguió a la violencia, y fue el ánimo de algunos personajes de ganar con paciencia y buena escritura la batalla contra la impunidad. Inspirándose en la frase que escuchó un coronel norteamericano de un combatiente en Vietnam: “Ustedes tienen el reloj, nosotros tenemos el tiempo”.

La literatura como resistencia

La literatura sobre el periodo de la Violencia bipartidista ha servido de “territorio de resistencia”, para que el olvido no termine derrotando, por segunda vez, a las víctimas.

Portada de EL PEQUEÑO PERIÓDICO No.94 en la cual se publicó el presente ensayo de Leonardo Agudelo Velásquez.

De su labor cultural en el puerto de Magangué, Ángel Galeano H., desentrañó una de esas piezas ricamente pulimentadas que guardan la memoria de la violencia, cuando conoció al profesor Antonio Botero Palacio, que se había convertido en “aprendiz de brujo” en el tiempo que le dejaba su trabajo de administrador del transporte fluvial de ganado hacia el interior del país. Botero escribía en un cuaderno escolar sus recuerdos a la orilla del río Magdalena. Aquellos apuntes no tenían el propósito de servir a ninguna causa más que a salvar de su existencia aquellas cosas dignas de contar. Dejar algo más que cenizas y una que otra lágrima el día de su funeral. Era un ejercicio de exorcizar de su memoria aquellas cosas que permitieran hacer ligero el equipaje a la hora de partir. No para la gloria o el consuelo, era sólo para sí, frente al altar de su existencia. Por ello comienza el relato en las montañas antioqueñas, donde su abuelo Elías decide construir una casa: la Casa Grande, antes que sus hijos partan a “hacer vida” a otro paraje. Y erige junto a la casa de tapia y bahareque un poderoso muro con el que esperaba comunicar a la inmortalidad su existencia. Casa que sirve de escenario a bailes de Navidad, el juego de los niños y los aromas de la cocina que escriben olores en el rocío de la mañana para esparcirse por los corredores de la casa solariega hasta las habitaciones y despertar a los niños. De los hijos, dos se dedicarían a cortar la corteza de árboles que proveyeran taninos para la industria de curtimbres, en medio de indómitas montañas y uno de ellos debería conducir la recua de mulas hasta la ciudad de Rionegro para negociar el producto. Cuatro días de camino, a dos fondas de distancia y en la segunda de ellas conoce una mulata que enciende ese fuego que no se apagara en él. De esa unión nacen varios hijos y uno de ellos elegirá el camino de la docencia, no por ninguna aptitud sobresaliente, sino por aquello que uno no elige, sino que lo elige a uno: el destino.

Estudia en la Normal de Varones de Manizales, un centro de educación donde se difundía la cultura Greco- Caldenes y donde empezara a conocer la condición humana de quienes le rodean. Llegando como profesor a ese día que partió nuestra historia en pedazos que no hemos podido volver a reunir: el 9 de abril de 1948. “Esta fuerza demencial obnubiló a poderosos y humildes”. Y surge la pregunta: ¿Quién dibujo el mapa de origen y destino de las fuerzas oficiales que hundieron regiones pacificas en un conflicto que hoy, seis décadas después, no termina?

En el capítulo 16, Antonio Botero P. nos introduce a través de la frase: “A los campanarios se les olvidaron las notas del Ángelus”, a una época retratada por Débora Arango a partir de las  imágenes de campos de concentración en Europa, con vagones cargados de muertos, para fijar en la historia colombiana el significado de los hechos junto a la música los temas de Garzón y Collazos.

El autor con su hermano Próspero (izq) y varios familiares, durante las fiestas del Centenario de La Unión.

La pasión política entra a su vida de forma que aprende a sobrevivir el sectarismo liberal-conservador, que es intensificado por todos los poderes y llevan a los más sencillos a la confrontación. Como profesor de escuela, aprendió de sus alumnos a leer el mapa de la supervivencia en medio de la tempestad. Luego fue nombrado inspector de núcleo en Urrao, viaja de escuela en escuela sobre una mula recorriendo los caminos: con un carnet liberal en un bolsillo y uno conservador en el otro, rezando plegarias para no ir a confundirlos cuando las fuerzas del gobierno o de la guerrilla le pidan identificarse.

La bella sutileza

Hay una bella analogía en el drama de la madre que el padre había conocido en una fonda caminera y la época histórica que rodea al escritor Botero Palacio P. La ausencia de su madre por el mal de Hansel significó disolución de la convivencia familiar desde pequeños, no sirve de pretexto al autor para aumentar la densidad de la nebulosa de la violencia, tiene un manejo delicado del tema producto del amor a sus orígenes. En la época de vacaciones en la Normal de Varones de Manizales, decide visitar a su madre en el lazareto de Agua de Dios, donde ella lo lleva a conocer al músico Luis A. Calvo.

Antonio Botero con su familia, en las fiestas de La Unión

El capítulo flota en la sofocante atmósfera de la Peste de Albert Camus, termina con una plegaria: “No llores madre mía, amor de mis amores, donde quiera que tu vayas irá mi corazón”. Y ese contrapunto hace que el relato no se vuelva una sofocante novela existencialista, porque no olvida que al final del día sobre todas las amarguras e injusticia estamos acá, producto del amor de unos orígenes y de una magnifica tierra, una tierra infinita que canta la frase: “habrá pan para todos”.

garlosin@gmail.com

Una novelista que se abre paso

Una amiga le confesó que cuando empezó a leer Los pasos del exilio, no podía soltarla, pero le daba pena que el marido la viera sin hacer otra cosa y entonces se metía al baño para continuar leyendo. Esta anécdota testimonia la fuerza narrativa que María Teresa Ramírez viene cultivando desde hace varios años. Otro amigo llevó esa misma novela para leerla en un vuelo a Boston y rogaba para que el vuelo se prolongara y así poder terminarla. Es a lo que todo autor aspira, que el lector llegue hasta el último renglón.En cada escritor vibra un lector voraz. Ella acaba de leer Los pilares de la tierra, de Ken Follet, que trata de la construcción de una catedral en el medioevo, son 1589 páginas, “Cuando lo compré pensé que le sobraría la mitad, pero me tuvo atrapada desde el principio”.Una de sus mayores fortalezas es la dedicación, la disciplina y una visión aguerrida de la escritura que le permite deleitarse con los grandes retos. Por eso le fascina escribir novelas, por el largo aliento y la intrincada complejidad que este género requiere. Es una investigadora que aspira a recoger la vida de otras autoras para dejar su huella bien plantada en la memoria de nuestro país.

Francisco Maturana, Rocío Vélez de Piedrahita …, ¿tienes más biografías entre manos?

Sí, las de Olga Elena Mattei en poesía y Dora Ramírez en pintura. Junto a la de Rocío Vélez de Piedrahíta forman una trilogía sobre mujeres emblemáticas de Medellín. La idea es rescatar la memoria de aquellas mujeres que han dejado una huella artística en nuestra ciudad. 

¿Quizás la biografía de Maturana es periodismo?

Portada de la Edición 93

Yo no estudié periodismo, pero mi hija Catalina sí y me apropié sin permiso de algunos de sus conocimientos para poder canalizar mi vocación de escritora. Cuando escribía Hombre Pacho, la biografía de Francisco Maturana, ella estaba en la Universidad Pontificia Bolivariana y me contactó con algunos de sus profesores quienes me ayudaron a esbozar el croquis de la biografía en la investigación. Yo era aprendiz en el Taller de Escritores de la Biblioteca Pública Piloto y la decisión de escribirla a manera de novela, surgió desde allí. Hombre Pacho fue mi primera publicación y debuté en grande porque fue publicada por la Editorial de la Universidad de Antioquia y estuvo en los primeros lugares en ventas durante varios meses.

¿Alguna diferencia entre la María Teresa que escribe cuentos y la que escribe novelas o biografías?

Soy la misma con cualquiera de los tres géneros, pero la novela es mi preferida. Hay quienes dicen que la novela es la reina de la literatura por su complejidad y el tiempo que entraña su elaboración, pero son precisamente la trama y el suspenso de la novela los que me proporcionan un placer indescriptible, dejo volar mi imaginación y como quien está en una especie de éxtasis, las horas pasan sin notarlo. Con el cuento también me siento muy cómoda, pero tal vez sin tanta presión como la que tiene la escritura de la novela. La biografía en cambio, es un género muy exigente en cuanto a la rigurosidad de la investigación y la exactitud de los datos que allí se consignan, pero me encanta también porque con ella aprendo muchísimo sobre los seres humanos, penetro en sus almas y me quedo con lo mejor de cada uno. 

¿Y tus rutinas de escritora?

Antes escribía por la mañana, pero ahora soy una orgullosa abuela y las mañanas las dedico a estar en comunicación con mi primer nieto que vive en España. No me quiero perder nada de su evolución y por el cambio de horario las mañanas son más cómodas para hablar con mi hija. Para escribir prefiero la noche: no suena el teléfono, no tocan a la puerta y no tengo que resolver problemas domésticos. Para las mujeres escritoras el sacrificio es mucho mayor porque nunca nos desligamos de los roles de esposas, madres y amas de casa.

¿Lugar favorito para escribir?

María Teresa Ramirez

Mi biblioteca, es el espacio donde me siento más completa, es el entorno de los libros lo que me hace más feliz. A veces pienso que si me llegara una catástrofe o una enfermedad que no me permitiera salir de la casa, no me importaría si estoy acompañada de mis libros. Escribo en silencio absoluto y hasta una música de fondo me distrae. Tal vez también por eso prefiero la noche, porque es la mejor cómplice del silencio.

¿Se puede detectar cuándo un texto literario fue escrito por un hombre o por una mujer?

A veces sí. Las mujeres somos más adictas al detalle, más engolosinadas con los sentimientos; los hombres son más directos y prácticos, van a los hechos. Las mujeres escribimos desde nuestras cicatrices, los hombres desde sus vivencias. Esto no es bueno ni malo, es simplemente un modo de percibir el mundo de diferente manera y es precisamente esa diversidad la que enriquece el espectro literario. Algunas veces he hecho el ejercicio de escribir como hombre, con la mirada de un hombre, con los sentimientos de un hombre, pero creo que por allá en el fondo, mi condición de mujer me traiciona.

Piedra preciosa (¿Recuerdos o pura sensibilidad estética?)

Mi signo que es Libra, dice que mi piedra es el ópalo. Alguna vez tuve un anillo y unos aretes con esa piedra, pero un día me robaron todo y entonces decidí que me gustan más los diamantes, aunque ya no pueda comprar ni los unos ni los otros. 

¿En qué ciudad te gustaría escribir tu próxima novela?

Me gusta escribir en Medellín. No necesito salir a ninguna parte especial porque el tema está en mi mente y ningún lugar geográfico es un condicionante. Los pasos del exilio la escribí parte en Madrid y parte en Medellín.

¿Cómo ves la literatura actual en la ciudad?

Hay un movimiento naciente que vale la pena cultivar. Hace poco tuve el gusto de dictar un taller de narrativa para un grupo de enfermeras y profesionales de la salud y quedé gratamente sorprendida no sólo por su amor a las letras sino por el talento individual de los asistentes. Creo sinceramente que hay un semillero notable en Medellín. Los concursos literarios son también un medidor importante para calibrar el talento y el gusto de la comunidad por la literatura y por eso hay que incentivarlos con buenos premios y buenas ediciones de las obras premiadas.

¿Qué estás escribiendo hoy?

La biografía de Olga Elena Mattei. Una Poeta con mayúsculas que ha publicado 19 libros y tiene 42 inéditos. La investigación me va revelando la magnitud y grandeza de su obra: una poesía profunda, elaborada, llena de matices. Cuando leo sus poemas se me eriza la piel, trato de entrar en su ser, en su dolor, en su relación con Dios y me acerco un poco a la estatura de su intelectualidad, porque ella es una mujer de una gran cultura con conocimientos sobre música, historia, arte, astronomía. Olga Elena Mattei ha recibido toda clase de premios nacionales e internacionales y su poesía es celebrada en todo el mundo, ha hecho recitales en salas importantes de Europa, Estados Unidos y México. En cambio en nuestro medio no es bien conocida.

También trabajo con Dora Ramírez, la pintora, grabándola en entrevistas personales e investigando sobre su obra artística. Dora, como Débora Arango fue una pionera de la pintura, rompió con los cánones del realismo, de lo clásico, y se atrevió a pintar en su época como le dictaba su yo interior. Esto fue muy criticado en su tiempo pero al ir pasando por los diferentes estados de su alma también reflejó lo que era ella: una mujer rebelde, maravillosa, con una personalidad arrolladora. No todos saben que la pintura de Carlos Gardel del telón de fondo del Teatro Pablo Tobón Uribe, es una obra original de Dora Ramírez.Tengo un libro con 16 cuentos inéditos que espero publicar este año y una novela empezada que continuaré cuando termine las biografías.

Los pasos del exilio es una novela que ha recibido buenos comentarios, ¿a qué crees que se deba?

Los pasos del exilio tiene varias facetas que quiero destacar. La primera es que está escrita en primera persona y por eso da la impresión de que es una historia verídica. Ésta, como todas las novelas, tiene elementos reales y elementos fantásticos, pero es la manera de hilvanar unos con otros lo que le da ese carácter de verosimilitud. Esta novela narra la vida de una familia en el exilio, con sus nostalgias, sus pesares y sus nuevas experiencias en España, un país que ellos creían que era el paraíso. Para escribirla me metí en la piel de cada uno de los protagonistas y sobre todo, estuve muy pendiente del nivel de suspenso que quería poner en cada capítulo. Un profesor de español en Estados Unidos la leyó con sus alumnos y me contó que había sido un éxito rotundo. Otro amigo la llevó para leerla en un vuelo a Boston y rogaba para que el vuelo se prolongara y así poder terminarla porque estaba atrapado con la trama. Con esta novela me han pasado también anécdotas muy graciosas: en uno de los capítulos hay una infidelidad de Marisol, la protagonista, quien es la que narra la historia. Pues bien, algunas amigas que la leyeron estaban escandalizadas porque pensaban que era yo quien había sido infiel a mi esposo. En otro capítulo hay un intento de violación y un día, me llamó una persona para decirme que no se explicaba como Karl, siendo amigo de mi esposo había intentado violarme, y de paso, a felicitarme por la forma como me había defendido. Esto es muy gracioso, porque yo como escritora trabajo sobre toda clase de temas sin significar por ello que sean mi propia vida; pero también es muy gratificante porque siento que mi obra está cumpliendo su cometido en cuanto a que es creíble. Son tantos los comentarios y las preguntas que me han hecho, que para no entrar en detalles decidí responder a todos que sí era verdad.

Otra de las facetas que quiero destacar es que tuve la suerte de tener un gran editor. Un ser comprometido con su oficio que entendió la esencia de la novela y puso todo de su parte para que la publicación fuera lo más perfecta posible. Los libros tienen a veces destinos inesperados. Los pasos del exilio, está circulando ya en otros países, pasando de mano, con otros horizontes por explorar. Sólo hay que darle tiempo…

Poesía y no verso

“No me interesa ser poeta, aunque siento un gran aprecio y admiración por ellos, pues les debo casi toda mi sensibilidad artística. Creo que esa figura, aunque no en todos los casos, ha caído en una pose insensata”.  DMH

Entrevista con Nubia A. Mesa

Esa cara de niño, esa claridad celeste de sus ojos, el cabello ensortijado que le cae sobre la frente, los labios carnosos. Lo vi por primera vez sentado en el café de la Biblioteca Pública Piloto. Tomaba una copa de vino tinto y garabateaba signos en un papel.  Pensé: “se parece a un poeta francés de finales del siglo XIX”.

Era David Marín Hincapié, un joven estudiante de filología hispánica de la Universidad de Antioquia, ganador de la Beca de creación Poesía Jóvenes Inéditos 2010 otorgada por la Alcaldía de Medellín. Estaba allí para hablar con su editor sobre su primer libro de poemas: Abro la noche. Ese día trataron de la importancia de encontrar la voz propia para contar, para re-crear el mundo.

David me pareció un muchacho reservado, cortés, con gran capacidad de escucha, reflexivo y con muchas cosas para decir. Yo no había leído su libro. Dijo que se había inclinado por la prosa poética y que en definitiva, simplemente estaba en una búsqueda.

Ahora estoy leyendo su libro antes de encontrarnos en el mismo café para hacerle una entrevista. “El experimento al que me he entregado encuentra su raíz en la figura, ya mítica, de Rimbaud”, dice en las páginas donde se presenta al lector. “Lo que he querido hacer, entonces, es penetrar el tiempo y el espacio buscando imágenes que construyan instantes poéticos, tal vez febriles, de esa agonía última de Rimbaud”

A sus 20 años, con esa imagen de niño bueno, con esa pulcritud en los modales, con ese deseo de superar el exceso de palabras, David escudriña en la historia  y descubre que efectivamente Yo es otro, como lo dijo el poeta. Se sumerge en ese Rimbaud de las Cartas Abisinias, ya no el irreverente, ya no el que grita para ser escuchado, sino el que habla con una voz reposada y a veces quejumbrosa. A partir de ahí salió en su propia búsqueda, aunque por momentos se haya sentido “como una especie de médium para que se exprese el otro”

Entrevista - Edición 94

David Marín lucha contra lo sistemático de sí mismo sin renunciar al orden, alguien que se pregunta por la muerte y por la descomposición corporal, como la que sufrió Rimbaud, como la que presenció en los últimos días de su abuelo. Eso que recuerda, “los sentidos enfrentados al deterioro, el sonido de la respiración, el olor, la fragilidad”.

Así desmitifica al poeta, se busca a sí mismo, reconoce a esos otros que también son él, quienes le han aportado a su ser. Su madre, sus maestros, sus amigos, sus autores favoritos. Con esas voces deconstruye el tiempo para sumergirse en los sueños.

¿Cómo definirías Abro la noche?

Es un libro experimental. El lector debe ser paciente, entregándose a una atmósfera simbólica que busca la sobriedad en el lenguaje. Su búsqueda parte de la inquietud sobre la condición humana. Y aquella se ancla en la experiencia de la putrefacción corporal. Acaso, quien quiera leer allí la prosa poética, la reflexión filosófica, el relato corto, una novela experimental le está permitido, pues no existe la preocupación por definir la frontera de un género. Y, sobre todo, debe entenderse como un ejercicio de escritura.      

¿Qué imaginarios tienes sobre ser poeta?

No me interesa ser poeta, aunque siento un gran aprecio y admiración por ellos, pues les debo casi toda mi sensibilidad artística. Creo que esa figura, desde luego no en todos los casos, ha caído en una pose insensata. Me gusta pensar, más bien, en lo humano que hay en seres como Emily Dickinson, o el mismo Borges, que le dan un lugar importante a la intimidad, y prefieren alejarse para entender un poco su condición como individuos, sin preocuparse por asumir un rótulo social. Me gusta pensar en esos seres que vagan en el misterio de las cosas, silenciosos y desinteresadamente. Del poeta es propio el canto. Yo prefiero el silencio, es decir, el encuentro con la voz apagada de los libros.

¿Qué dirías sobre el tono que tiene tu obra?

Tiene que ver mucho con la forma en que me relaciono con el mundo. Desde niño el silencio siempre ha sido un elemento fundamental en mi vida. El tono reposado, esa especie de quietud lingüística, es ante todo una respuesta a la necesidad del silencio en medio de tanta idiotez sonora. Además, es una manera de encontrarme con el lenguaje en la intimidad. Es la forma en que la individualidad se manifiesta y resiste ante el bullicio. Podría decir que es mi manera de desobedecer al ruido que impone y caracteriza a la sociedad de masas.     

¿Qué te inquieta del mundo actual, qué te duele del mundo actual, qué te gusta de vivir en el mundo actual?

Debo confesar que esa pregunta me resulta muy atractiva de contestar. Sobre todo porque me confronta conmigo mismo, con el presente. Y siempre me da temor pensar en el presente. Por eso es que leo. Porque prefiero evadir el presente. Por el dolor que me causan las imágenes que tengo del presente: la imagen del poder y la del exceso, la imagen de la ambición y la del hacinamiento miserable, también la del alboroto. Aunque las imágenes de la literatura no son muy distintas. Pero al menos así logro, acaso, huir de la complicidad con esa realidad material. Desde luego que existe un mundo actual. Para mi es precisamente el mundo que propone la literatura. 

¿Tus estudios de filología cómo aportan a tu formación como escritor?

Es evidente que mi paso por la universidad ha sido la ocasión para mi formación literaria. Pero siempre he sido muy cuidadoso con la academia. Para quien está interesado en la creación literaria es necesario identificar cuál es su lugar en la academia. Sobre todo porque la academia anhela el sistema. Y todos sabemos que la creación literaria es asistemática. Mi formación consiste en tratar de entender el sistema y aprender de él, para sufrir con menos dolor el espíritu asistemático que me desestabiliza. Cuando hablo de espíritu asistemático, me refiero al extrañamiento ante las cosas, me refiero a mi desagradable sensibilidad, como diría Borges. Claro que Borges sabe lo que es el pudor en la escritura, yo no. Lo repito, la filología, aunque no es una escuela de escritores, por el momento es la ocasión para formar mi ingenuidad literaria.                         

nubiamesa456@gmail.com

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Al lector

David Marín Hincapié

He querido recurrir al lenguaje poético para confrontarme con los delirios, las miserias y las alegrías del misterio de existir. El experimento al que me he entregado encuentra su raíz en la figura, ya mítica, de Rimbaud. Aquel muchacho, un poco irreverente, un poco resuelto. El Rimbaud de Abisinia es esa imagen del hombre que se resiste ante lo inevitable bajo el sol del desierto. Entiendo que su algarabía juvenil, aquella que acaso me hizo falta, es un soplo brioso, tan necesario como el de la reflexión. Lo que he querido hacer, entonces, es penetrar el tiempo y el espacio buscando imágenes que construyan instantes poéticos, tal vez febriles, de esa agonía última de Rimbaud. Eso y no otra cosa es este libro. Las páginas que conforman los Fragmentos de la noche estrellada son frívolas y casuales. Su publicación obedece a un deseo, todavía no logrado, de olvidarlas. Y a un intento por dejar de corregirlas. Esto último aplica para el resto de la composición. Comprendo, con W. Gombrowicz, que todo experimento artístico ignora su lógica: eso es precisamente lo que intenta descifrar el innovador. Espero, estimado lector, que perdones la ingenuidad y la ignorancia, la vaguedad y el exceso, la necedad y la sensiblería que no alcancé a tachar. Aprovecho la ocasión para ofrecer disculpas a quien se sienta remedado en su estilo: no fue otra cosa que una desinteresada muestra de afecto.

D.M.H